О качестве современной звукозаписи



Дмитрий Малолетов
www.dmitrymaloletov.ru




Дмитрий Малолетов


Современные технологии звукозаписи, которые стали доступны широким массам, открыли возможность многим людям реализовать свой творческий потенциал. С каждым годом производители музыкального оборудования, а также компьютерные программисты создают все новые и новые инструменты, которые стирают грань между профессиональной студийной и домашней записью. Наступило время, когда не оборудование определяет качество работы, а именно человек, его умение грамотно использовать инструментарий. Поэтому сейчас как никогда актуальны учебно-образовательные материалы для изучения всех вопросов, касающихся звукозаписывающего процесса.


Данная статья адресована всем, кто занимается звукозаписью, в основном музыкантам, которые имеют домашнюю студию и осваивают все премудрости профессии звукорежиссера-продюсера.
Основная проблема многих молодых музыкантов, которые встали на этот путь, заключается в том, что технологической стартовой площадкой их работы стали компьютерные системы. Не пройдя путь аналоговой записи, музыканты попадают в среду удивительных возможностей, использование которых требует знания не только звукорежиссуры, но и других дисциплин, например, психоакустики. Как мы знаем, любая технология, изначально предназначенная для облегчения жизни, имеет свои подводные камни. Любой прогресс есть относительный регресс. Понимание проблематики процесса звукозаписи, а также многих аспектов, связанных с ней, помогают получить наилучший результат.


Итак, давайте проанализируем все плюсы современных технологий и найдем в них скрытые минусы. Определив «болезнь», можно найти пути ее «лечения».
При прослушивании современных записей даже таких стилей, как рок, джаз и других «живых» жанров (не говоря уже об электронике, изначально созданной на компьютере), и сравнении их со старым аналоговым материалом (1960-1970-х годов) сразу чувствуется разница в качестве. Современные записи звучат хрустально, очень чисто, невероятно насыщенно, гладко, прозрачно и очень громко! Казалось бы, прогресс налицо и о чем тут говорить? Но вот замечаешь такой факт. Многие современные CD долго слушать не хочется.


Странно, но, даже купив новый альбом хорошего исполнителя, не можешь его дослушать до конца! Возможно, причина в том, что музыка на CD не так хороша? А может быть, современный ритм жизни уже не может выдержать столько утомительной работы: потратить почти час на прослушивание одного альбома? А может, за годы работы в индустрии от музыки накопилась усталость и хочется тишины и покоя?
Возможно, эти факторы имеют место, но в данной статье хотелось бы обратить внимание на технические составляющие, которые отрицательно влияют на производство музыки на всех стадиях.


Создание аранжировки и количество треков
Известно, что неграмотная аранжировка, когда партии инструментов создают гармонические и частотные артефакты, может серьезно испортить хороший материал.    
Как проходил процесс на заре звукозаписи? Музыканты сочиняли песню (к примеру), потом на репетициях думали, как ее исполнить. Методом проб находили наиболее удачные варианты. Потом репетировали, чтобы играть песню уверенно. И только потом приходили в студию, исполняли произведение, в то время как звук через микрофоны ложился на магнитную ленту.


Такая запись требовала от музыкантов хорошей подготовки к студийной работе на этапе репетиций – необходимо было продумать партии каждого инструмента в аранжировке и  хорошо их выучить. Так как вычистить ошибку было технически невозможно, на каждого музыканта ложилась большая ответственность, что заставляло всех участников записи к каждой студийной сессии относиться очень серьезно. В таком подходе есть сразу два плюса. Первый – на стадии репетиций все музыканты слышат недостатки и исправляют их. Материал долго шлифуется, хотя немало записей 1950-х, 1960-х годов сделаны спонтанно, сыграны с ходу прямо в студии. Достаточно вспомнить начало карьеры Элвиса Пресли! Но с точки зрения аранжировки важен второй момент – на записи звучит только то количество инструментов, которые звучат в живом исполнении.


Современные технологии дают возможность создавать сотни треков!  Однако все это звуковое нагромождение серьезно осложняет сведение в плане частотного баланса. Звуковая картина при таком подходе имеет сложную частотную сумму, в аранжировке зачастую отсутствует прозрачность и воздух. Слушать большое количество инструментов, особенно звучащих одновременно, для слуха очень некомфортно. Желание сделать мощный бас, густой пэд, насыщенную бочку, дабл-треки гитар в сумме дает такой концентрат звука, что найти инструментам  место в миксе не представляется возможным.


Перегруженность аранжировки – главная болезнь современных записей. Музыканты просто стали бояться звучать естественно, так как относительно других нафаршированных дабл-треками записей коллег своя запись кажется менее убедительной. Но слушать такую музыку некомфортно. Честную же запись слух принимает с большей благодарностью. Такая запись имеет бОльшую ценность в перспективе.  
Поэтому на этапе создания аранжировки нужно стремиться к минимальному количеству треков (инструментов).



Стоит отметить еще один момент, который относится больше к поп-музыке. Сейчас аранжировки в основном делает один человек, играя партии за все инструменты. Это не всегда хорошо по двум причинам. Во-первых, музыкант может не очень грамотно создавать партии инструментов. Не все пианисты-аранжировщики или гитаристы, программируя барабаны, понимают специфику игры на ударной установке. И, во-вторых, при работе одного человека над аранжировкой нет коллективного контроля и фильтрации. Ведь в группе материал шлифуется долгим анализом всех участников ансамбля, с позиции каждого инструмента. Как бы то ни было, если есть возможность, работать над музыкальным материалом лучше с коллективом.


Дмитрий Малолетов      Дмитрий Малолетов




Метроном и все, что с ним связано

На репетициях, на концертах во время игры между музыкантами происходит взаимодействие  в плане ритма. Они подсознательно (или сознательно)  «ловят» друг друга во времени, и высшей ступенью при живой игре является достижение особого резонанса, когда все участники группы входят в один временной шаблон. Человек, слушающий такую музыку, не может этого не ощутить, даже не осознавая происходящего.


Однако современные технологии открывают совершенно новые формы работы. Запись наложением во многих стилях стала основным методом. Резонанса музыканты ищут не друг с другом, а с метрономом, который стал главным мерилом ритмической конструкции музыки. Мерило это весьма спорное, так как ни в фольклорной, ни в классической музыке, ни в блюзе, ни в джазе и даже ни в фанке музыканты не играли абсолютно ровно по темпу. Играть абсолютно ровно (точно) просто невозможно, так как человек не может удерживать постоянный темп, даже если поставит себе такую цель. Но в этом и нет необходимости. Детальный анализ ранних композиций  направлений легкой музыки показывает, что темп песен и композиций плавает в довольно широком диапазоне.


Иногда к концу произведения темп увеличивается на 8-10 ударов в минуту. Этот «загон», который сейчас рассматривается как жуткая «кривизна», на самом деле на восприятие музыки влияет плодотворно. В плавании по темпу заложена эмоциональность. Так, на тихих местах музыканты, как правило, несколько сбавляют темп. А на кульминационных местах, естественно, темп увеличивается. Так играют люди. Но компьютерные стили сменили ритмическую парадигму. На первое место вышла точная остинантность и абсолютная ровность. Под такую музыку легко танцевать и делать другую «аэробику».


Постепенно компьютерная ровность пришла и в «живые» стили. И во время записи музыканты стали записываться наложением под клик. При всем удобстве многоканальной записи в ней есть минусы. При такой форме студийной работы репетировать вместе музыкантам уже не нужно, так как ритмическое взаимодействие между музыкантами уходит на второй план. Взаимодействие идет с метрономом, который у всех есть в компьютере. При этом музыкантам для отработки совместной игры можно и не встречаться вовсе. Результат – вся музыка, которая выходит в последние годы, стала какой-то одинаковой.


Это касается даже сугубо «живых» стилей, таких, как рок, блюз и даже джаз! И виной этому метрономная концепция. Если раньше каждая группа имела свой «грув», свое достижение «резонанса», свое время, то сейчас звучание основной массы музыкального продукта стало компьютерно-ровным, то есть одинаковым.
Какие же пути лечения этой «болезни»? Опытные барабанщики, играя под клик, имеют достаточную зону для ритмического маневра. Внутридолевая пульсация, которая придает ритму особую прелесть, у каждого музыканта имеет свои нюансы.


Дает положительные результаты и работа с темпотреком. Можно в аранжировке прописать все замедления/ускорения. Лично я в работе применяю способ, которым пользуются многие в рок-музыке. Сначала в черновом варианте записывается группа с ударными (под метроном, коль речь идет о нем). Затем бас-гитара, гитары переписываются на чистовик уже на записанные ранее ударные. Смысл такого подхода в том, что музыканты играют не в метроном (который вообще выключается), а «ловят» ударные.



Во многих же студиях поп-музыки, где мне приходилось наблюдать работу записи «живых» ударных, происходит с точностью наоборот. Сначала начисто записываются все инструменты и голос (под электронные ударные), а потом вся эта мультитрековая запись включается в студии с тикающим метрономом. Барабанщики играют с этим готовым «оркестром».  Такой способ тоже дает результат, но только при наличии супер барабанщика, способного органично вписаться в законченную запись.


Но как бы то ни было, самая лучшая запись получается при игре группы в реальном времени, когда вся ритм-секция играет совместно. Несмотря на все сложности такой формы работы, она всегда будет иметь ценность и уникальность. Поэтому, если есть возможность организовать такую запись, стоит идти именно по этому бескомпромиссному пути.



Глубокая редакция треков
Современные технологии записи позволяют выполнять редакцию треков. Сбылась мечта многих поколений музыкантов! Сейчас можно из записанной партии убрать все ошибки и довести ее до идеального звучания. Рассказ о том, как сейчас можно скомпоновать гитарное соло, нарезав его из нот хроматической гаммы, уже стал анекдотом. На студии редко можно встретить вокалиста, который бы не пользовался на сведении автотюном. Все эти идеальные треки, вычищенные  и тщательно причесанные, соединяясь вместе, должны, казалось бы, давать идеальную звуковую картину. Но этого не происходит. Человеку при прослушивании не за что зацепиться!  Это напоминает яблоко, которое сорвали с дерева и отчистили (замылили ) от всех естественных природных червоточинок.



Его сделали идеально ровным по форме и цвету, гладким как стекло. Получился такой «восковой» фрукт, которого не бывает в жизни. Смотреть на такое яблоко неприятно. Оно вызывает недоверие как что-то ненастоящее. Умом понимаешь, что оно идеально, а душа этого никак не принимает. На мой взгляд, половина музыки убивается именно глубокой редакцией треков, в результате которой убираются все исполнительские шероховатости, которые порой и привлекают внимание. Именно мелкие нюансы (мелкие ошибки в рамах зоны) придают человечность игре.



Особенно губительна редакция в рок-музыке. Современные стили тяжелого рока, где много студийной «химии», совершенно не цепляют бывалых рокеров, воспитанных на «непричесанных» звуках.
В конечном итоге многие продюсеры, создающие качественный материал, если и редактируют треки, то самым минимальным образом, убирая только самые грубые, явно бросающиеся в глаза недочеты. Все это придает записи естественный, человечный вид.



Компрессия
При анализе современных подходов к звукозаписи заслуживает особого разговора компрессия треков и особенно финальных миксов. На эту тему написано немало, и в целом «войне громкостей» последние годы уделяется много внимания. В рамках этого вопроса  хочется отметить один факт. Жестко компрессированный микс действительно создает яркое впечатление от-
носительно натурального. Кажется, что он звучит лучше и мощнее.


Записи с большей громкостью кажутся более крутыми. Однако проведя над собой эксперимент, вы поймете, что при длительном прослушивании все воспринимается в точности наоборот. Разогнанный микс можно послушать один раз. После этого уши слушателя просто отваливаются. Прослушать в таком исполнении весь CD для слуха становится пыткой  (может поэтому дослушать CD современной группы до конца все более сложно). Это на чисто физическом уровне.



Натуральный микс (с минимальной компрессией, с естественной динамикой) можно слушать долго! Он не давит, не создает дискомфорта и не побуждает  снять наушники. Поэтому при работе над мастерингом стоит задать себе вопрос: я это делаю для того, чтобы на несколько минут пустить пыль в глаза, или хочу, чтобы мою работу слушали долго? Очень радует, что многие исполнители на своих записях сейчас не имеют особого желания всех «переорать». Это дает небольшую надежду, что звукозапись пройдет этот этап своего развития и «война громкостей» будет закончена победой естественного звучания.


Кристальная чистота
Борьба звукозаписи с шумами в конечном итоге привела к тому, что многие продюсеры специально добавляют «белый» шум в конечный микс. Если раньше шум аналоговой ленты, а тем более скрип иглы винила считались техническими издержками (связанными с несовершенством техники), то, получив абсолютную тишину в записи, все поняли, что слушать такую музы-
ку довольно некомфортно. Используя наушники, исключая естественные звуки окружающего мира, которые для нас априорны, мы попадаем в неестественную среду, так как в жизни абсолютной тишины просто не существует. Но по этому поводу много написано, поэтому не будем углубляться.


Интересен тут другой момент. На старых записях, сделанных в реальном времени, микрофоны улавливали звуки из всех источников. В микрофон и гитары попадали, и барабаны, и бас, и другие инструменты. Бороться с проникающими посторонними шумами при записи в реальном времени всей группы было сложно. В настоящее время при записи наложением данные проблемы исчезают. Но  продюсеры, звукорежиссеры и музыканты стали замечать, что при этом что-то потерялось.



В старых записях, когда звук ложится на пленку из разных источников, входя в структуру других инструментов, происходит некая звуковая «сцепка» (от взаимопроникновения звука от разных источников) и тем самым естественное обогащение и насыщение. Изолированные инструменты звучат кристально чисто, без артефактов, но при этом как бы отдельно друг от друга. Особенно это проявляется при записи барабанной установки, когда каждый барабан отсекается гейтом и эквализацией.



Ударная установка начинает звучать чисто, у нее нет характерного гула, возникающего от резонансов, но при этом звук ударной установки больше напоминает ритм-машинку. Поэтому многие продюсеры начали пользоваться гейтами деликатно, а многие вообще перестали это делать, сохраняя максимум естественного звучания со всеми звуковыми артефактами.
Постепенное возвращение к записи в реальном времени, отсутствие боязни взаимопроникающих звуков, насыщение микса естественными шумами – все это свидетельствует о прохождении определенной стадии развития технологии и подходов.   


Дмитрий Малолетов  


Цифровые эмуляторы
Виртуальные инструменты уже давно заняли главное место, заменив «железных» предков, которые сохранились во многих студиях скорее для интерьера. Удобство использования виртуальных инструментов побеждает качество звука. Доходит до того, что в одной богатой студии я наблюдал запись гитары через цифровой процессор, когда в соседней комнате имелось более 30 (!) самых раритетных усилителей и кабинетов! Но подключение гитар по этой схеме требует времени.


Расстановка микрофонов, «рулежка» звука – все это отнимает много сил. Цифровой процессор делает имитацию этого звука через нажатие нескольких кнопок. Понятно, что звук проигрывает. Но этот проигрыш, как считают производители коммерческого музыкального продукта, не сопоставим с затратами сил, времени и средств, если работать по старинке.  
В результате общий музыкальный фон записей стал стандартным.
Использование живых инструментов, запись через микрофоны насыщают микс полезной информацией и очень обогащают звучание.  А качество кроется в мелких деталях, что отличает серьезные работы от быстрых коммерческих проектов.  


В своей работе над альбомом «Облака», который вышел в апреле 2015 года, я старался придерживаться принципов звукозаписи, заявленных мною в статье, максимально сохраняя на записи
естественное звучание  гитары и ансамбля, сознательно уходя от некоторых современных тенденций производства музыки.



Лад и Гармония.jpg



В марте 2015 года вышла в свет новая книга Дмитрия Малолетова «Лад и гармония» издательства  «Guitar Club».
 Учебное пособие адресовано музыкантам (в основном гитаристам) для самостоятельного изучения фундаментальных вопросов
ладообразования и гармонии, начиная с древнейших времен и заканчивая современными системами звуковысотной организации музыки.
Книга будет полезна всем, кто хочет сочинять оригинальную музыку эстрадных жанров  (поп-рок-фолк-фьюжн стилях),
осмысленно импровизировать, создавать  богатые электронные аранжировки и грамотные оркестровки для «живых» групп.
Учебное пособие выполнено в виде электронной книги со звуковыми примерами.

AIDAnova. 300 модулей KNV от GLP
Александр Перфильев: с каждым днем граница между живой и студийной работой стирается

Александр Перфильев: с каждым днем граница между живой и студийной работой стирается

Александр Перфильев, звукорежиссер певицы Ёлки: «Более 10 лет полноценно занимаюсь мастерингом, и этот вид звукорежиссуры мне очень симпатичен. Хотя проекты, которые сам свожу, практически никогда не мастерю: это неправильно, как мне кажется, должен быть свежий взгляд, эдакое ОТК. Аналогичного мнения был по поводу концертного звука, но, когда выдалась возможность попробовать, решил рискнуть. Получается так, что я занимаюсь и интересуюсь всеми видами музыкальной звукорежиссуры.»

Мастеринг: Развитие профессии

Мастеринг: Развитие профессии

Мастеринг – одна из наиболее интересных тем в звуковой индустрии. Этой статьей мы начинаем большой цикл, освещающий вопросы, связанные с ним. Ориентировочно наш цикл будет состоять из десяти статей. В них автор попытается дать ответы на наиболее общие технические вопросы, связанные с мастерингом, возьмет интервью у известных мастеринг-инженеров и звукоинженеров.

Мониторинг. Урок 18. Активные контрольные комнаты

Мониторинг. Урок 18. Активные контрольные комнаты

Не следует путать новые возможности дизайна активных помещений с «поддерживаемой реверберацией», которая с 1950-х годов использовалась в Королевском фестивальном зале (Royal Festival Hall), а позже в студиях «Лаймхаус» (Limehouse Studios). Это были системы, использующие настраиваемые резонаторы и многоканальные усилители для распределения естественных резонансов до нужной части помещения.

Прокат как бизнес. Попробуем разобраться

Прокат как бизнес. Попробуем разобраться

Андрей Шилов: "Выступая на 12 зимней конференции прокатных компаний в Самаре, в своем докладе я поделился с аудиторией проблемой, которая меня сильно беспокоит последние 3-4 года. Мои эмпирические исследования рынка проката привели к неутешительным выводам о катастрофическом падении производительности труда в этой отрасли. И в своем докладе я обратил внимание владельцев компаний на эту проблему как на самую важную угрозу их бизнесу. Мои тезисы вызвали большое количество вопросов и длительную дискуссию на форумах в соцсетях."

Акустические расчеты  для практиков

Акустические расчеты для практиков

Кажется, что тема компьютерных акустических расчетов среди профессионалов в области звука никогда не исчерпает себя.
Несмотря на то, что фундаментальная наука не претерпевает изменений, а математические модели улучшаются эволюционно, среди коллег встречаются как совершенно разные взгляды на акустическое моделирование в целом, так и, порой противоположные трактовки одних и тех же абсолютных величин.

Александр Перфильев: с каждым днем граница между живой и студийной работой стирается

Александр Перфильев: с каждым днем граница между живой и студийной работой стирается

Александр Перфильев, звукорежиссер певицы Ёлки: «Более 10 лет полноценно занимаюсь мастерингом, и этот вид звукорежиссуры мне очень симпатичен. Хотя проекты, которые сам свожу, практически никогда не мастерю: это неправильно, как мне кажется, должен быть свежий взгляд, эдакое ОТК. Аналогичного мнения был по поводу концертного звука, но, когда выдалась возможность попробовать, решил рискнуть. Получается так, что я занимаюсь и интересуюсь всеми видами музыкальной звукорежиссуры.»

Кто формирует райдер?

Кто формирует райдер?


Тема нашей сегодняшней публикации «Как и кто формирует райдерность оборудования».
Это совместный проект «Клуба прокатчиков шоу-технологий» (см. страницу на Фейсбуке)
и сайта www.show-master.ru. На этих ресурсах, а также в сети Colisium были проведены опросы,
их результаты – ниже. Участники «Клуба прокатчиков шоу-технологий» активно обсуждали эту тему.
Мы предложили ответить на несколько вопросов специалистам, которые уже не один годв нашем бизнесе,
и их мнение, безусловно, будет интересно нашим читателям. 

Прокат как бизнес. Попробуем разобраться

Прокат как бизнес. Попробуем разобраться

Андрей Шилов: "Выступая на 12 зимней конференции прокатных компаний в Самаре, в своем докладе я поделился с аудиторией проблемой, которая меня сильно беспокоит последние 3-4 года. Мои эмпирические исследования рынка проката привели к неутешительным выводам о катастрофическом падении производительности труда в этой отрасли. И в своем докладе я обратил внимание владельцев компаний на эту проблему как на самую важную угрозу их бизнесу. Мои тезисы вызвали большое количество вопросов и длительную дискуссию на форумах в соцсетях."

Форум

Словарь

QuickTime

— технология компании Apple, разработанная в 1991 году для воспроизведения цифрового видео, звука, текста, анимации, музыки и панорамных изображений в различных форматах. QuickTime также является мультимедийным фреймворком, который могу...

Подробнее